Recensione artistica: guarda l’effetto delle influenze di Judy Glickman Lauder negli spettacoli fotografici simultanei

“Maine, 2016” Foto di Judy Glickman Lauder/per gentile concessione del Maine Jewish Museum

A volte non scopriamo cosa raccolgono gli artisti stessi finché non muoiono. Andy Warhol, si è scoperto, era un ossessivo ammassatore di barattoli di biscotti, mobili eclettici, gioielli e manufatti dei nativi americani. Altre volte sono piuttosto pubblici sulle loro abitudini collezionistiche, come Jeff Koons, che ama i dipinti del Vecchio Maestro e del XIX secolo, o Damien Hirst, che possiede Picasso, Warhols e Bacon.

Ma è raro avere l’opportunità di vedere così direttamente come gli oggetti che un artista colleziona abbiano influenzato il proprio lavoro. È il caso di due mostre attualmente in mostra a Portland: “Presence: The Photography Collection of Judy Glickman Lauder” al Portland Museum of Art (fino al 15 gennaio) e “Following the Light: Photographs by Judy Glickman” al Maine Jewish Museum (fino al 27 ottobre). È un abbinamento che offre un trattamento molto speciale.

Lo spettacolo PMA è una centrale elettrica che abbatte il fotografo e filantropo del Maine Glickman Lauder’s generoso lascito di oltre 600 fotografie, estraendo alcune delle immagini più iconiche del mezzo e mescolandole con il lavoro di fotografi meno noti. È interessante notare che non sono le foto famose che sono i successi per me.

Non c’è dubbio che le immagini familiari siano ancora potenti. “Migrant Mother (Florence Owens Thompson), Nipomo, California” di Dorothea Lange ti spezzerà ancora il cuore. “Power House Mechanic” di Lewis Hine è un inno alla dignità innata dei lavoratori americani e un equivalente moderno della venerazione di Michelangelo per la bellezza maschile. “American Gothic (Portrait of Ella Watson, Washington, DC)” di Gordon Parks ti sfida ancora a chiamare “disuguale” o non americana questa donna nera con lo sguardo provocatorio.

Tutti questi soggetti emanano la qualità essenziale del titolo dello spettacolo. Ma altre immagini sembrano dare un pugno ancora più pesante per la loro non familiarità; il fatto che ti colgano di sorpresa aumenta il loro impatto. Non possiamo fare a meno di meravigliarci di come siano sfuggiti alla nostra attenzione – o alla visibilità attraverso una mostra più ampia – per così tanto tempo. Una di queste immagini è “The Sixteenth Street Baptist Church Bombing, Crowds Wait Along the Funeral Route, Birmingham, Alabama” di Danny Lyon.

Cronista schietto del movimento per i diritti civili, Lyon cattura una donna che guarda la telecamera la cui espressione ha una presenza che sembra un confronto molto personale. È una miscela esplosivamente volatile di furia, indignazione, dolore profondo, dolore e tradimento che sembra evocare secoli di maltrattamenti e discriminazioni fino alla superficie.

Norman Seeff (Stati Uniti, nato in Sud Africa, nato nel 1939), “Robert Mapplethorpe e Patti Smith, New York”, 1969, stampa a pigmenti d’archivio, 15 x 22 pollici. Portland Museum of Art, Maine, dono promesso dalla collezione Judy Glickman Lauder, 1.2016.1. Immagine per gentile concessione di Luc Demers. © Fotografia di Norman Seeff

Questa fotografia fa parte di una sezione intitolata “Lavoro, giustizia e dignità”, che è la più emotivamente straziante della mostra. Ma non mancano i momenti più leggeri, tra cui le foto irresistibilmente gioiose di preti che volteggiano e ballano sulla neve di Mario Giacomelli; la spensieratezza giovanile di Patti Smith e Robert Mapplethorpe nel ritratto della loro amicizia di Norman Seeff; La furbizia e la saggezza di Isak Dinesen nel ritratto di Richard Avedon dell’autore danese “Out of Africa”.

Ci sono anche casi di interiorità quasi straziante. L’immagine di Diane Arbus della pittrice Agnes Martin sembra quasi invasiva nel modo in cui penetra nella privacy di Martin per catturarne la reticenza e la vulnerabilità, specialmente quando prendiamo in considerazione le lotte di Martin con la malattia mentale. Vorresti quasi distogliere lo sguardo imbarazzato.

Come collezionista, possiamo vedere la predilezione di Glickman Lauder per le scene leggermente surreali, qualcosa che abita anche alcune immagini alla mostra del Museo Ebraico. Ad esempio: “Robert F. Kennedy Funeral Train, Harmans, Missouri” di Paul Fusco del 1968, l’immagine di una famiglia, i figli spogliati in pantaloncini, in fila sull’attenti lungo i binari della ferrovia. Perché i ragazzi sono mezzi nudi? Oppure c’è il “Brunswick Hotel, Boston, Massachusetts” di Verner Zevola Reed III del 1957, che raffigura un tavolo di avventori nella sala da tè dell’hotel che si godono un concerto nel loro miglior vestito della domenica mentre le macerie si accumulano fuori dalla porta (l’hotel veniva demolito per ospitare un nuovo edificio per uffici).

RITRATTO DI UN ARTISTA

Sono immagini come questa che sono più interessanti perché sembrano indicare l’evoluzione dell’occhio di Glickman Lauder come fotografo. Glickman Lauder ha girato film in bianco e nero e lo ha sviluppato in camera oscura per circa 40 anni. Ma alla mostra “Following the Light” del Jewish Museum, che dovrebbe essere organizzata contemporaneamente alla mostra PMA, vediamo la sua fotografia digitale a colori, che segna un cambiamento significativo. “Con un senso di presenza interiore, la purezza del colore stesso e le sue ombre più profonde”, spiega nella sua dichiarazione, “Sto entrando nella luce, nell’immagine stessa”.

La vediamo letteralmente “entrare nella luce”, nel senso che il suo riflesso o la sua ombra appaiono da qualche parte in quasi tutte le immagini. A volte è piuttosto sottile, aggiungendo una sorta di arcatezza alle immagini di Where’s Waldo. Eppure questo dispositivo è anche sicuro di sé, affermando la statura di Glickman Lauder come artista a pieno titolo.

Judy Glickman Lauder, “New York, 2014” Immagine per gentile concessione del Maine Jewish Museum

Vedere queste opere nel contesto della mostra “Presenza” della PMA è affascinante. Griglie e rettangoli, chiari o astratti, in foto come “New York, 2014” o “New York, 2020” si riferiscono alle immagini al PMA di Mary Alpern, che ha fotografato momenti intimi in uno strip club attraverso la griglia della finestra del bagno del club. dal suo studio. L’illegittimità degli scatti di Alpern sembra soffusa anche in “London, England, 2015” di Glickman Lauder, un’immagine della vetrina di quello che sembra essere un sexy shop, anche se i molti gradi di Glickman Lauder sono più divertenti e civettuoli.

L’immagine degli edifici a “Helsinki, Finlandia, 2013” ​​richiama varie immagini architettoniche alla mostra PMA. Il senso del colore di Glickman Lauder in diverse foto, specialmente quelle illuminate artificialmente o quelle che indugiano nella luce oro-arancione del tramonto, è simile alla penombra stordente e luminosa delle scene della camera da letto di Nan Goldin al PMA, anche se senza l’accusa sessuale .

Judy Glickman Lauder, “Bilbao, Spagna, 2015” Immagine per gentile concessione del Maine Jewish Museum

Il severo ritaglio di una fotografia come “Bilbao, Spagna, 2015” al Museo Ebraico sembra in sincronia con lo splendido nudo di Ruth Bernhard, “Triangles” del 1946 al PMA.

L’artista ha da tempo una predilezione per i riflessi che confondono la nostra lettura di un’immagine, cosa che accade ancora e ancora a “Following the Light”. “Maine, 2016” è l’immagine di un’immagine, vale a dire, credo, il trittico “Sent” di William Wegman, tre Polaroid affiancate per mostrare i suoi caratteristici Weimaraner seduti su una canoa. Il bagliore del vetro in cui sta sparando riflette l’ombra di Glickman Lauder. Eppure l’intera scena – opera Wegman, bagliore e ombra dell’artista – appare piatta, come se tutto fosse su un unico piano, anche se sappiamo razionalmente che questo non può essere vero.

Judy Glickman Lauder, “Florida, 2018” Immagine per gentile concessione del Maine Jewish Museum

“Florida, 2018” è una massa di riflessioni che include una riproduzione della Gioconda che sembra essere all’interno di una vetrina, una guardia di sicurezza accanto a lei. Il vetro riflette i bassi edifici in stucco dall’altra parte della strada e una fila di palme. Prendendo in questa immagine, i nostri occhi rimbalzano tra ciò che pensiamo sia primo piano e sfondo, dentro e fuori.

Questa preoccupazione derivava chiaramente dalla sua educazione. Al PMA, c’è una fotografia della madre di Glickman Lauder, Louise Weinstein Ellis, scattata dal padre di Glickman Lauder, il dottor Irving Bennett Ellis, un fotografo pluripremiato. In realtà sono due ritratti uniti insieme: uno che ride, sigaretta in mano, l’altro più riflessivo e serio. Qui vediamo lo stesso tipo di confusione tra primo piano e sfondo.

Judy Glickman Lauder (Stati Uniti, nata nel 1938), “Café Istanbul”, circa 2002, stampa alla gelatina d’argento, 24 x 30 1/2 pollici. Portland Museum of Art, Maine, Regalo promesso dalla Collezione Judy Glickman Lauder, 5.2007.2. Immagine per gentile concessione di Luc Demers © Judy Glickman Lauder Collection

Lo vediamo anche nella sconcertante fotografia in bianco e nero di Glickman Lauder intitolata “Café Istanbul” (2002) al PMA. Incapace di capirlo, ho chiesto al curatore dello spettacolo, il dottor Anjuli Lebowitz, come ci fosse riuscito Glickman Lauder. Non voglio rovinare il mistero, quindi non lo dirò. Ciò che citerò, tuttavia, è che anche dopo la spiegazione di Lebowitz, l’immagine ha continuato a giocare con il mio cervello e la mia percezione.

In niente di tutto questo voglio implicare che il lavoro di Glickman Lauder sia derivato. Non è. Ma possiamo vedere come certi elementi e qualità nel lavoro dei fotografi che ha raccolto si siano depositati nelle sue banche della memoria. Questo può illuminare le predilezioni di Glickman Lauder per i soggetti, la luce e il colore, allo stesso tempo possiamo intuire come queste predilezioni potrebbero emergere nel suo stesso lavoro, sebbene in un modo fresco e del tutto originale.

Jorge S. Arango scrive di arte, design e architettura da oltre 35 anni. Vive a Portland. Può essere raggiunto a: [email protected]


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